Curso de arte online. ¿Qué entendemos por escultura contemporánea?

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Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de forma accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.
Contando con la participación de expertos en cada campo, toman como punto de partida la Colección Propia y la dinámica y variada programación artística del Museo.
Según la RAE (Real Academia Española), “escultura” es:
<ol>
<li>f. Arte de modelar, tallar o esculpir en algunos materiales figuras en tres dimensiones.</li>
<li>f. Obra hecha por el escultor.</li>
<li>f. Fundición o vaciado que se forma en los moldes de las esculturas hechas a mano.</li>
</ol>
Atendiendo a estas acepciones, inmediatamente nos vienen a la cabeza obras como la Venus de Milo, el David de Miguel Ángel e, incluso, alguna escultura ecuestre ubicada en el centro de una plaza de cierto pueblo o ciudad. No obstante, la escultura es la disciplina artística que más ha evolucionado en el último siglo y medio y su ámbito real dista mucho de esa idea tradicional que nos resulta más familiar.
Este curso busca ofrecer una (posible) respuesta a la pregunta de qué entendemos por “escultura contemporánea”.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS?
Destacan, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ul>
<li>Proporcionar unas claves conceptuales que permitan entender fácilmente la evolución de la escultura desde finales del siglo XIX hasta la actualidad.</li>
<li>Abordar ciertas cuestiones formales y técnicas determinantes en dicho proceso evolutivo y de cambio; entre ellas, la omisión del pedestal o el empleo de nuevos materiales.</li>
<li>Mostrar nuevas formas de creación del objeto y del espacio escultórico en la actualidad, y su interacción con el espectador.</li>
<li>Dar visibilidad a mujeres artistas y sus verdaderas aportaciones, incorporándolas en estos objetivos, y situándolas así en el lugar que les corresponde en la historia del arte de los siglos XX y XXI.</li>
</ul>
Imparte 
Brigitte Leal, directora adjunta emérita del Museo Nacional de Arte Moderno, Centre Pompidou, París
Estructura y programa  <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2023/09/WEB-CURSO-ARTE-ONLINE-ESCULTURA-PROGRAMA-FINAL.pdf">[+info]</a>
&nbsp;
Crédito fotográfico: 
Mona Hatoum, Hogar, 1999 
Madera, acero galvanizado, acero inoxidable, 
cableado eléctrico, pinza de cocodrilo, 
bombillas, regulador comupterizado, 
amplificador y altavoces 
76,2 x 198,1 x 73,7 cm (mesa) 
Dimensiones totales variables

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EDUARDO CHILLIDA: POR QUÉ SU ESCULTURA ES UNIVERSAL E INTEMPORAL

El artista vasco Eduardo Chillida es una figura fundamental en la escultura de la segunda mitad del siglo XX. Su mirada hacia el pasado y la tradición clásica se combina con un pensamiento y una actitud contemporáneos innovadores e incansables. De ahí lo intemporal de su obra y su vigencia.
Considerando sus propuestas desde el presente, los años veinte del siglo XXI, el curso ofrece una visión actual de su obra y su proceso de creación.
Este curso está impartido por Kosme de Barañano, catedrático de Universidad y comisario de exposiciones, y uno de los mayores especialistas en su obra.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso
<div style="padding: 56.25% 0 0 0; position: relative;"><iframe style="position: absolute; top: 0; left: 0; width: 100%; height: 100%;" title="Eduardo Chillida_Presentacion_Kosme" src="https://player.vimeo.com/video/1021736872?h=c40d779334&amp;badge=0&amp;autopause=0&amp;player_id=0&amp;app_id=58479" frameborder="0"></iframe></div>
<script src="https://player.vimeo.com/api/player.js"></script>
¿QUE APRENDEREMOS? 
<ol>
<li>Las claves para conocer las características principales de la obra de Eduardo Chillida, cuáles fueron sus aportaciones y por qué sigue vigente en la actualidad.</li>
<li>La importancia de lo telúrico, el agua, la naturaleza, la luz, en su universo y proceso creativo.</li>
<li>El dibujo como herramienta fundamental e hilo conductor en todas sus formas de hacer arte.</li>
<li>Sus proyectos públicos más destacables, fundamentados en la sostenibilidad, el equilibrio y la colaboración.</li>
<li>La conexión del artista con los Museos Guggenheim a través de las exposiciones y numerosas obras pertenecientes a las Colecciones Guggenheim.</li>
</ol>
PROGRAMA 
Módulo I. La oeuvre de Chillida: desarrollo y etapas 

Chillida crea en, para y al servicio del entorno natural y de las personas que experimentan su obra. También se abordará la importancia de la música y el sonido en su trabajo.
Vídeo 1: Chillida, obras y etapas 
Vídeo 2: Recepción crítica de la obra de Chillida: de Gaston Bachelard a Edmond Jabès 
Vídeo 3: El concepto de espacio 
Vídeo 4:  El concepto de escala
Módulo II. El dibujo como hilo conductor 

Chillida dibujaba no solo con las manos derecha e izquierda simultáneamente, sino también con la mente. Así logró desarrollar un estilo formal con personalidad propia. Se mostrarán ejemplos de las diferentes técnicas y disciplinas que abarcó.
Vídeo 1: En dibujo 
Vídeo 2: En grabado 
Vídeo 3: En relieve 
Vídeo 4: En gravitaciones
Módulo III. Chillida y el arte público 

Inasequible al desaliento en la búsqueda de la sublimación de los sentidos a través de su arte, Chillida recurrió a la elección de enclaves privilegiados o impensables hasta el momento para la instalación de esculturas y a la colaboración con otros profesionales para la difícil y desafiante ejecución de algunas de sus obras públicas más relevantes.
Vídeo 1:  Abesti gogora V, 1966 
Vídeo 2: El peine del viento, 1976 
Vídeo 3: Elogio del horizonte, 1990 
Vídeo 4: Tindaya, el proyecto, 1992–1996
Módulo IV. Chillida, los museos internacionales y los Museos Guggenheim 

La conexión del artista con los Museos Guggenheim se materializó ya a finales de los años cincuenta del siglo pasado, a través de su participación en exposiciones y la inclusión de su obra desde entonces en las correspondientes Colecciones Guggenheim.
Vídeo 1: De la exposición colectiva Sculptures and Drawings From Seven Sculptors, celebrada en el Museo Guggenheim de Nueva York en 1958, a la exposición retrospectiva Chillida: 1948–1998, organizada por el Museo Guggenheim Bilbao en 1999. 
Vídeo 2: Obras de Chillida en la Colección del Solomon R. Guggenheim Museum de Nueva York. Los años cincuenta y sesenta. 
Vídeo 3: Obras en la Peggy Guggenheim Collection. Los años sesenta y setenta. 
Vídeo 4: Obras en la Colección del Museo Guggenheim Bilbao. Los años noventa y la creación de una nueva colección.
Foto: © Zabalaga Leku, San Sebastián, VEGAP, 2019. Sucesión de Eduardo Chillida y Hauser &amp; Wirth. Foto Jesús Uriarte.

Curso de arte online: Eduardo Chillida: Por qué su escultura es universal e intemporal

Este curso sobre Eduardo Chillida está impartido por Kosme de Barañano, historiador, crítico y profesor de arte, y uno de los mayores especialistas en su obra.

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Curso de Arte Online. “Grandes Maestras” del arte moderno y contemporáneo

Este curso reivindica el papel de algunas artistas como “Grandes Maestras”, explicando en detalle las razones y aspectos por los que destacaron de forma singular. El título está tomado de la expresión “Grandes Maestros”, tradicionalmente empleada para englobar a figuras de la historia del arte que se han caracterizado por su virtuosismo.
Impartido por Susana Blas Brunel, historiadora del arte contemporáneo y especialista en arte y feminismo, esta propuesta complementa el curso online De invisibles a protagonistas: mujeres artistas de los siglos XX y XXI que debes conocer.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ol>
<li>El papel de la mujer en la historia del arte y en especial el de una selección de creadoras cuya obra supuso un punto de inflexión en el desarrollo del arte moderno y contemporáneo.</li>
<li>Las verdaderas aportaciones artísticas de estas creadoras y su lugar en la historia del arte de los siglos XX y XXI.</li>
<li>El papel motor y pionero de estas creadoras en ciertas manifestaciones artísticas, desafiando los retos e imposiciones sociales.</li>
<li>La vinculación de estas artistas a narrativas y conceptos diferenciadores y genuinos, más que a meras cuestiones técnicas.</li>
</ol>
PROGRAMA
Módulo I: Espiritualidad 
Centrado en artistas que estuvieron más vinculadas a movimientos como el espiritismo, la antroposofía, la radiestesia y el taoísmo; y en otras que se mostraron simplemente más ligadas al lugar y su entorno natural.
Vídeo 1: Georgiana Houghton 
Vídeo 2: Hilma af Klint 
Vídeo 3: Georgia O‘Keeffe 
Vídeo 4: Agnes Martin
Módulo II: Propaganda 
Aborda la obra de artistas que adquirieron un compromiso político e ideológico, bien en defensa de sus ideales o como acto de denuncia.
Vídeo 1: Liubov Popova 
Vídeo 2: Leni Riefenstahl 
Vídeo 3: Barbara Kruger 
Vídeo 4: Julie Mehretu
Módulo III: Retroalimentación 
Artistas cuyo proceso creativo y obra es el resultado de una circulación constante de energía e información, intelectual, telúrica, teatral o mental, protagonizan este módulo.
Video 1: Tarsila do Amaral 
Vídeo 2: Ana Mendieta 
Vídeo 2: Esther Ferrer 
Vídeo 4: Yayoi Kusama
Módulo IV: Igualdad 
Se analiza el trabajo de mujeres artistas que desafían retos e imposiciones sociales desde lo igualitario, la confrontación o la delicadeza. 
Vídeo 1: Maruja Mallo 
Vídeo 2: Guerrilla Girls 
Vídeo 3: Kara Walker 
Vídeo 4: Mona Hatoum
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Crédito fotografía: Yayoi Kusama Sala de espejos del infinito – Deseo de felicidad para los seres humanos desde más allá del universo (Infinity Mirrored Room — A Wish for Human Happiness Calling from Beyond the Universe), 2020.
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Curso de arte online. “Grandes Maestras” del arte moderno y contemporáneo

Este curso reivindica el papel de algunas artistas como “Grandes Maestras”, explicando en detalle las razones y aspectos por los que destacaron de forma singular. El título está tomado de la expresión “Grandes Maestros”, tradicionalmente empleada para englobar a figuras de la historia del arte que se han caracterizado por su virtuosismo.

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Curso de arte online: Lo que cuentan los materiales en el arte moderno y contemporáneo

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de manera accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.
Contando con la participación de expertos en cada campo, los cursos toman como punto de partida la Colección del Museo y su dinámica y variada programación artística.
El estudio de los materiales empleados en el arte, su composición, propiedades químicas y transformación han sido una de las principales preocupaciones de muchos artistas. Este curso busca desvelar algunas de las historias que se esconden detrás del empleo de ciertos materiales y fenómenos descritos por la ciencia, el por qué de su utilización, cómo se consiguieron, cuáles fueron sus aplicaciones prácticas o cómo afectan a la experiencia estética del público.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS?
Este curso online tiene, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ol>
<li>Facilitar unas claves sobre la importancia, razones y consecuencias técnicas y estéticas del empleo de determinados materiales en el arte moderno y contemporáneo.</li>
<li>Proporcionar la cultura científica básica para apreciar cómo la historia del arte fluye de forma paralela a la historia de la ciencia; cómo los avances en la ciencia de materiales, la química, la ingeniería o la física han influido en el arte moderno y contemporáneo y viceversa.</li>
<li>Presentar los materiales empleados en el arte como parte del código de símbolos que los creadores emplean para comunicarse.</li>
<li>Abordar la importancia del color para ciertos autores y el efecto que este tiene en la percepción del arte por parte del público.</li>
<li>Dar visibilidad a las mujeres artistas y poner en valor sus verdaderas aportaciones, incorporándolas en estos objetivos, y situándolas así en el lugar que les corresponde en la Historia del arte de los siglos XX y XXI.</li>
</ol>
Imparte 
Deborah García Bello, química, divulgadora científica e investigadora en ciencia de materiales aplicados al arte moderno y contemporáneo.
Estructura y Programa <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2023/10/WEB-PROGRAMA-CURSO-DE-ARTE-ONLINE-MATERIALES-.pdf">[+ info]</a>

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de manera accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.

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Curso de arte online: la fotografía: origen e irrupción en el arte contemporáneo

¿Quieres obtener una visión general de la historia de la fotografía y saber cómo irrumpió en el mundo del arte hasta considerarse una disciplina artística más? Este curso te ofrece la posibilidad de adentrarte en este recorrido y conocer a sus principales protagonistas y técnicas, que se remontan a la invención del daguerrotipo en el siglo XIX y llegan hasta la actualidad.
Imparte este curso Jon Uriarte, fotógrafo y comisario de exposiciones, que actualmente trabaja en torno a las transformaciones digitales de la imagen en la red.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ol>
<li>Una visión general de la historia de la fotografía, su línea del tiempo desde sus antecedentes hasta la actualidad.</li>
<li>Las principales técnicas fotográficas desde la invención del daguerrotipo hasta la fotografía digital.</li>
<li>La importancia de esta técnica y su lenta pero progresiva integración en el mundo del arte. Considerada en sus inicios como una mera herramienta de apoyo en los procesos de creación, la fotografía llegará a ocupar su lugar en las bellas artes.</li>
<li>Una selección de obras de fotografía artística y de otras disciplinas, como la moda, en las que esta disciplina ha sido y es crucial.</li>
</ol>
PROGRAMA
En este curso se proponen los siguientes cuatro módulos temáticos y algunos ejemplos de fotógrafos y artistas:
Módulo I: El origen y la línea del tiempo de la fotografía 
Veremos la evolución desde las cámaras oscuras del siglo XVI, los daguerrotipos y calotipos del siglo XIX al “usted aprieta el botón, nosotros hacemos el resto”.
Vídeo 1: La cámara oscura y los estudios de óptica como base. 
Vídeo 2: La invención del daguerrotipo y el nacimiento “oficial” de la fotografía. 
Vídeo 3: La estrecha relación de la fotografía con el libro y el cine. 
Vídeo 4: La producción industrial de las cámaras fotográficas y la nueva relación del gran público con las imágenes.
Módulo II: La irrupción de la fotografía en el arte 
Durante mucho tiempo la fotografía es cuestionada y considerada como una mera herramienta de representación directa de la realidad que sirve de apoyo técnico a los artistas, pero tímidamente se va adentrando en el mundo del arte hasta ser considerada una disciplina artística en sí misma a partir de los años ochenta del siglo XX. Algunos ejemplos:
Vídeo 1: Imogen Cunningham, Diane Arbus. 
Vídeo 2: Alfred Stieglitz, Seydou Keïta. 
Vídeo 3: Andy Warhol, Nan Goldin. 
Vídeo 4: Bern &amp; Hilla Becher, Thomas Struth.
Módulo III: Fotografía y moda 
La relación entre fotografía y moda se inicia en el siglo XIX con la intención de mostrar las vestimentas de la época, y cobrará una gran popularidad a partir de 1920 a raíz del surgimiento de las primeras revistas de moda. Durante el siglo XX, fotógrafos icónicos introducen sus propios enfoques creativos y se produce una significativa evolución de la fotografía de moda. Algunos ejemplos:
Vídeo 1: Richard Avedon. 
Vídeo 2: Helmut Newton. 
Vídeo 3: Louise Dahl-Wolfe. 
Vídeo 4: Corinne Day.
Módulo IV: La fotografía artística en la era digital 
Con la “democratización” de la fotografía a causa del uso masivo de smartphones en la actualidad, la naturaleza de esta disciplina en el ámbito de la creación artística, así como el papel de fotógrafas y fotógrafos, resulta en ocasiones difícil de discernir. Además, cada vez es más amplio el debate acerca de las transformaciones digitales de la imagen en la red. Algunos ejemplos:
Vídeo 1: Andreas Gursky. 
Vídeo 2: Paul Pfeiffer. 
Vídeo 3: Penelope Umbrico. 
Vídeo 4: ImageNet
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Thomas Struth (Geldern, Alemania, 1969) 
Público 01, Florencia 2004 (Audience 01, Florence 2004), 2004 
Impresión en color 
Ed. 7/10 
179,5 x 286,5 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa 
© Thomas Struth, Bilbao 2024

¿Quieres obtener una visión general de la historia de la fotografía y saber cómo irrumpió en el mundo del arte hasta considerarse una disciplina artística más?

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De invisibles a protagonistas: mujeres artistas de los siglos XX y XXI que debes conocer

Otras actividades

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen la oportunidad de adquirir formación de una manera accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.
Contando con la participación de expertos en cada campo, y tomando como punto de partida la Colección Propia y la dinámica y variada programación artística del Museo, estos cursos están diseñados para brindar una visión general y, al mismo tiempo, despertar una mayor curiosidad y deseo de conocimiento y estudio.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra 

¿QUÉ APRENDEREMOS? 
Como es sabido, las mujeres artistas permanecieron en la sombra —salvo raras excepciones— en épocas pasadas, prácticamente hasta que entre los pintores impresionistas de finales del siglo XIX comenzaron a destacar varias de ellas por su quehacer creativo.
El primer curso online del Museo Guggenheim Bilbao, trata de abordar al menos en parte, el tema del protagonismo de la mujer en distintas tendencias del arte de los siglos XX y XXI. Entre otros, sus objetivos de aprendizaje son:
<ul>
<li>Conocer el papel casi invisible de la mujer en la historia del arte, prestando especial atención a algunas de sus protagonistas en la creación moderna y contemporánea.</li>
<li>Analizar sus verdaderas aportaciones y situarlas en la historia del arte de los siglos XX y XXI.</li>
<li>Examinar su papel motor en ciertas manifestaciones, como el arte textil o la performance, o su relevante contribución en la videocreación.</li>
</ul>
Introducción, estructura y programa <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2022/01/Introduccion.pdf">[+ info]</a>
Imparte 
Lourdes Cirlot, Catedrática emérita de Historia del Arte en la Universidad de Barcelona

Curso de arte online. De invisibles a protagonistas: mujeres artistas de los siglos XX y XXI que debes conocer

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen la oportunidad de adquirir formación de una manera accesible

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Curso de arte online: Film & Video. La imagen en movimiento como medio artístico

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de manera accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.
Contando con la participación de expertos en cada campo, los cursos toman como punto de partida la Colección del Museo y su dinámica y variada programación artística.
Desde hace una década, la programación de exposiciones Film &amp; Video del Museo Guggenheim Bilbao ha examinado las distintas corrientes y modalidades de las prácticas artísticas contemporáneas que usan medios fílmicos y videográficos.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS?   
Este curso online tiene, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ul>
<li>Facilitar unas claves que permitan aprender fácilmente las características principales de la evolución de la imagen en movimiento en el arte contemporáneo y sus principales ramificaciones y numerosas posibilidades.</li>
<li>Dar a conocer una selección de obras y de proyectos a partir del historial expositivo de Film &amp; Video.</li>
<li>Ofrecer una secuencia de diferentes casos de estudio, divididos en cuatro módulos temáticos.</li>
</ul>
Imparte 
Yara Sonseca, historiadora del arte y comisaria independiente.
Estructura y Programa <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/03/Programa-web-FilmVideo.pdf">[+info]</a>
&nbsp;
Foto: 
Christian Marclay 
Fotograma de El reloj (The Clock), 2010 
Vídeo monocanal con sonido estéreo 
24 horas, en blucle 
Cortesía del artista y Paula Cooper Gallery, Nueva York

Curso de arte online: Film &amp; Video. La imagen en movimiento como medio artístico | Guggenheim Bilbao Museoa

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Cursos

Descubre desde la neurociencia cómo en el arte no existe un único patrón de belleza universal, sino diversos patrones de experiencias estéticas individuales.
La evolución de la percepción de lo bello se ha visto y se ve continuamente alimentada (e influida) por cuestiones fisiológicas y coyunturales, a las que las emociones están estrechamente ligadas.
La percepción de la “belleza”, o cualidad de lo bello, en el arte ha estado ligada a la interpretación de un objeto o manifestación artística en equilibrio y en armonía, entre sus partes y con el entorno, provocando sensaciones de atracción y bienestar emocional. Así ha sido sobre todo en el arte occidental desde el siglo XVIII y la Ilustración. No obstante, la subversión de esta idea de belleza tradicional se produce con las vanguardias históricas de principios del siglo XX, fundamentalmente con el Dadaísmo, como consecuencia de un cambio de paradigma en nuestra forma de ver y entender el mundo.
A todo ello se suma, e incluso se antepone, la mente creativa y divergente de cada artista.
Este curso está impartido por Mara Dierssen, doctora en Neurobiología y divulgadora científica con un gran interés por la relación entre la neurobiología y el arte.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo. 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo. 
Idioma: español. 
Acceso: a través de plataforma online. 
Certificación: automática, tras finalizar el curso. 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ol>
<li>A analizar la experimentación de la belleza y de lo bello en el arte contemporáneo desde una perspectiva neurocientífica.</li>
<li>A examinar el papel de quien hace arte (artista) no solo a través del proceso creativo, tal y como se realiza habitualmente, sino a través de su inteligencia divergente.</li>
<li>A hacer una lectura y enfoque multidisciplinar de la Colección Propia del Museo y del arte en general.</li>
<li>A tener una visión más “permeable” y “democrática” del arte contemporáneo, dando visibilidad a la existencia de experiencias estéticas múltiples y diversas, y explicando con rigor científico cuáles son las razones que las provocan.</li>
</ol>
PROGRAMA
En este curso se proponen los siguientes cuatro módulos temáticos y algunos ejemplos de artistas:
Módulo I: La neurobiología del arte
Entendiendo el cerebro humano como el órgano de la mente y el arte como fruto de la organización de este, y de su comportamiento social, la neurociencia puede aportar algunas claves para su comprensión desde un punto de vista científico y biológico.
En este módulo descubriremos el trabajo de personalidades de la ciencia insignes en este ámbito, y el hecho de la diversidad en el concepto de belleza actual, tradicionalmente entendido como único o canónico.
Vídeo 1: Los dibujos neuronales de Santiago Ramón y Cajal
Vídeo 2: La percepción en el arte
Vídeo 3: ¿Existe la belleza universal?
Vídeo 4: Semir Zeki y la neuroestética
Módulo II: La mente artística I: Creatividad y divergencia
Existen múltiples disparidades de mentes creativas, y en el arte moderno y contemporáneo destacan aquellas con una capacidad disruptiva y divergente en cuanto a la ruptura con la tradición, la aportación de nuevas técnicas o al provocar un cambio de paradigma respecto al canon habitual de belleza.
Veremos algunos artistas y obras, como:
Vídeo 1: Nenúfares de Claude Monet y El poeta de Pablo Picasso (Una visión fragmentada de la realidad)
Vídeo 2: Botellero de Marcel Duchamp y Coca-Cola de Andy Warhol (El objeto cotidiano como objeto artístico)
Vídeo 3: Bosque encantado de Jackson Pollock y Santorini de Helen Frankenthaler (Las nuevas técnicas del dripping o goteo y el “empapar y manchar”)
Vídeo 4: Voluntad de poder de Jean Dubuffet y Mamá de Louise Bourgeois (la belleza en lo feo y lo extraño)
Módulo III: La mente artística II: Sinestesia
Las personas con sinestesia ven y perciben del mundo de otra manera; en su sistema sensorial, la estimulación de uno de los sentidos es percibida simultáneamente por al menos otro de ellos, lo cual también puede suceder en el arte y en ciertos procesos creativos.
En este módulo nos centraremos en la pintura sinestésica de artistas como:
Vídeo 1: Vincent Van Gogh (El sonido del color)
Vídeo 2: Vasily Kandinsky (Improvisaciones y Composiciones)
Vídeo 3: Joan Mitchell (“Magia secreta”)
Vídeo 4: David Hockney (Escenografías: color, iluminación y música)
Módulo IV: Arte y emociones
¿Qué sentimos al contemplar una obra? ¿Experimentan otras personas algo semejante ante la misma creación? Las emociones, o su ausencia, expresadas por los artistas provocan efectos diversos en quien las contempla o vivencia.
Tomando como punto de partida el proyecto educativo del Museo Guggenheim Bilbao Artetik: From the Art, se muestran algunos ejemplos de obras según su vinculación con las diferentes emociones que despiertan en las personas del público que las contemplan.
Vídeo 1: Fascinación y El gran árbol y el ojo de Anish Kapoor; curiosidad y Celosía de Cristina Iglesias; diversión y Despertándose de Gilbert and George.
Vídeo 2: Confusión y Los caminos de la sabiduría del mundo de Anselm Kiefer; armonía y Árbol de los deseos para Bilbao de Yoko Ono; calma y Marina de Gerhard Richter.
Vídeo 3: Inspiración y Mar creciente de El Anatsui; temor y La balsa de la Medusa de José Manuel Ballester; sorpresa e Instalación para Bilbao de Jenny Holzer.
Vídeo 4: Aburrimiento e Iberia de Robert Motherwell; amor y Puppy de Jeff Koons; miedo y Máscara de seducción de Javier Pérez.

Curso de Arte Online: Arte y neurociencia. Más allá de la belleza: La mente creativa y divergente del artista

Descubre desde la neurociencia cómo en el arte no existe un único patrón de belleza universal, sino diversos patrones de experiencias estéticas individuales.

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Curso de arte online: Arte y máquinas: De la locomotora a la inteligencia artificial

La innegable vinculación histórica entre el arte y las máquinas centra este curso online. Durante el Renacimiento, las máquinas fueron fundamentales sobre todo en el ámbito de la arquitectura y en los estudios de perspectiva a los que recurrían pintores y escultores. En el siglo XIX, la Revolución Industrial supuso un punto de inflexión en el empleo de nuevos materiales, como el hierro, el hormigón y el cristal; las máquinas se convirtieron en imágenes de modernidad y progreso; y entre las nuevas herramientas de creación que se inventaron entonces figuran la cámara fotográfica y el cinematógrafo. En el siglo XX, se produce el asentamiento de la fotografía y el cine; surgen mecanismos cinéticos y robotizados, videoinstalaciones complejas y, más recientemente, obras producidas mediante inteligencia artificial.
No obstante, a pesar de ser las máquinas instrumentos inicialmente creados por el ser humano capaces de  favorecer el desarrollo de nuevas formas de producción artísticas, además de reflejar las transformaciones de la sociedad y la percepción humana del mundo, su uso en el arte siempre ha suscitado intensos debates principalmente centrados en el papel que desempeñan en los procesos creativos frente a técnicas artesanales o más “convencionales”.
Impartirá el curso el artista multidisciplinar Josu Rekalde, cuya obra engloba el vídeo experimental, la instalación escultórica y las nuevas tecnologías, y que ha sido profesor catedrático en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad del País Vasco UPV/EHU.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación automática, tras finalizar el curso
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ol>
<li>Ejemplos y claves que permitan conocer la relación entre el arte y las máquinas desde el siglo XIX hasta la actualidad.</li>
<li>La obra de sus principales protagonistas, así como obras relevantes.</li>
<li>Otras formas de producción artística, que conviven con creaciones no tecnológicas o más “convencionales”, ampliando así el discurso y el conocimiento del arte moderno y contemporáneo.</li>
<li>El impacto social y el nuevo papel del artista en la era de la inteligencia artificial.</li>
</ol>
PROGRAMA
Se proponen los siguientes cuatro módulos temáticos y algunos ejemplos de artistas:
Módulo I: La máquina como objeto de representación y símbolo de modernidad
En el siglo XIX, con la Revolución Industrial, el auge de las máquinas como motores de producción masiva transformó también el arte. Movimientos como el Impresionismo y el Futurismo comenzaron a representar la maquinaria y el avance tecnológico en cuanto que símbolos de progreso, dinamismo y modernidad.
Vídeo 1: De William Turner al Impresionismo
Vídeo 2: La nueva máquina del cine
Vídeo 3: Fernand Léger y la representación pictórica de formas industriales y mecánicas
Vídeo 4: El Futurismo: la exaltación de la velocidad y el poder de las máquinas
Módulo II: La luz y el movimiento, nuevos materiales artísticos
A principios del siglo XX, el uso de la maquinaria como herramienta para el cambio artístico y social se convierte en un postulado de ciertos movimientos revolucionarios y de otros que abandonan las formas tradicionales de producción artística; y lo móvil y lo cinético irrumpen en el arte para terminar asentándose como una práctica más.
Vídeo 1: El Constructivismo: Antoine Pevsner, Naum Gabo, Vladimir Tatlin
Vídeo 2: El Dadaísmo y el Surrealismo: Francis Picabia, Marcel Duchamp, Man Ray
Vídeo 3: Móviles: Laszlo Moholy-Nagy, Alexander Calder
Vídeo 4: El Arte Cinético: Jean Tinguely, Theo Jansen
Módulo III: Cuerpos y máquinas
El lugar del cuerpo humano en relación con la tecnología ha dado lugar a diversas formas de producción artísticas, sobre todo desde los años sesenta del siglo pasado hasta la actualidad, abriendo un debate sobre las consecuencias sociales y antropológicas de la hibridación cuerpo-máquina y las nuevas formas de experimentación del arte.
Vídeo 1: Arte y robótica: Nam June Paik, Marcel.lí Antúnez, Juan Muños, Vito Acconci
Vídeo 2: Ciborgs en el arte contemporáneo: Stelarc y Orlan, Neil Harbisson
Vídeo 3: Las videocámaras, nuevas formas de ver la realidad: Peter Weibel, Michael Snow
Vídeo 4: Instalaciones multimedia: Yayoi Kusama, Edwin van der Heide, Mark Leckey
Módulo IV: Mirando al futuro: del arte digital a nuevas formas de hacer arte
A partir del nacimiento del arte digital en la década de 1960 se comienzan a utilizar los primeros ordenadores para la creación artística. Más recientemente, con el uso de la inteligencia artificial, se generan obras que trascienden la concepción tradicional del artista y su rol, y las hibridaciones entre arte y ciencia están comenzando a abrir nuevas perspectivas para entender la realidad.
Vídeo 1: Arte Computacional: Vera Molnár, Michael Noll, Centro de Cálculo de la UCM (José María Yturralde, Elena Asins)
Vídeo 2: Net.art o Arte de Internet: Vuk Cósic, Olia Lialina, Daniel Guzmán
Vídeo 3: Inteligencia artificial y Arte Generativo: Refik Anadol
Vídeo 4: Arte y ciencia: interrogantes futuras.
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Juan Muñoz 
Sombra y boca, 1997/2017 
Resina de poliéster, tela, pigmento, madera y motor Guggenheim Bilbao Museoa

La innegable vinculación histórica entre el arte y las máquinas centra este curso online. Durante el Renacimiento, las máquinas fueron fundamentales sobre todo en el ámbito de la arquitectura y en los estudios de perspectiva a los que recurrían pintores y escultores.

Curso de arte online: Arte y máquinas: De la locomotora a la inteligencia artificial | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso de Arte Online

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen la oportunidad de formarse de forma accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.
Contando con la participación de expertos en cada campo, y tomando como punto de partida la Colección Propia y la dinámica y variada programación artística del Museo, están diseñados para brindar una visión general y a la vez para despertar una mayor curiosidad y un mayor deseo de conocimiento y estudio.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS? 
Este curso online tiene, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ul>
<li>Dar a conocer cuál es el detonante o la motivación que lleva a los artistas a crear, destacando la importancia del proceso creativo (físico y mental) que da lugar a las obras de arte.</li>
<li>Examinar cómo, a través de las historias y mensajes que nos transmiten los artistas mediante diferentes lenguajes plásticos, buscan y/o despiertan en el espectador. diversos estados de ánimo, emociones y reacciones, dotando al arte, en ciertos casos, de una cualidad benéfica.</li>
<li>Evidenciar el poder del arte y el compromiso de ciertos artistas a la hora de escribir o reescribir la historia a través de su mirada y su contexto histórico.</li>
<li>Destacar cómo el arte genera oportunidades de futuro a través de la comprensión de la contemporaneidad.</li>
</ul>
Imparte 
Miguel López-Remiro Forcada, comisario y asesor independiente de arte. Director artístico del Museo Picasso de Málaga
Estructura, introducción y programa<a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/12/PROGRAMA-curso-Estructuras-del-arte-REVISADO.pdf"> [+info]</a>
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Curso de arte online. Estructuras del arte contemporáneo

Estructuras del arte contemporáneo: el eterno interrogante sobre cómo se crean las obras y sus significados.

Curso de arte online. Estructuras del arte contemporáneo | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de manera accesible a la vez que rigurosa sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual. Contando con la participación de expertos en cada campo, los cursos toman como punto de partida la Colección del Museo y su dinámica y variada programación artística.
El Arte Pop se caracterizó por su estilo figurativo y la continua exploración de las imágenes de la cultura popular, de donde toma su nombre. Si bien fue un movimiento que surgió inicialmente en el Reino Unido a mediados del siglo XX, pronto tomó su mayor impulso en EE. UU. Un periodo de rápido auge económico generó una creciente cultura del consumismo. Algunos artistas respondieron al mercantilismo que les rodeaba incorporando en su trabajo imágenes procedentes de la cultura de masas y adoptando en sus creaciones nuevas técnicas que imitaban (o parodiaban) los métodos industriales. Algunas de las fuentes de estas obras son, por ejemplo, las vallas publicitarias, los anuncios, las películas, la televisión, las revistas baratas, las tiras cómicas e incluso los escaparates comerciales.
Este curso busca ofrecer una amplia visión de la importancia y las diferentes manifestaciones que el Arte Pop ha adoptado en la escena artística internacional, de sus principales protagonistas, así como de la influencia que aún ejerce en ciertas prácticas contemporáneas.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS?  
Este curso online tiene, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ul>
<li>Facilitar unas claves que permitan conocer las características principales del Arte Pop, así como el contexto político, económico, social y cultural que favoreció el surgimiento y evolución de este movimiento a nivel internacional.</li>
<li>Descubrir el trabajo de sus principales protagonistas, entre quienes destacan varias mujeres artistas, así como sus obras icónicas.</li>
<li>Evidenciar la influencia que ejerció en otras manifestaciones culturales, como la música y la moda, más allá del arte plástico.</li>
<li>Destacar el legado del Arte Pop y su influencia en la creación actual desde la perspectiva del siglo XXI.</li>
</ul>
Imparte 
José Lebrero Stals, gestor cultural y de artes plásticas, comisario de exposiciones. Ha sido director artístico del Museo Picasso de Málaga.
Estructura y Programa <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/03/Programa-Curso-online-arte-pop-para-web.pdf">[+info]</a>

Curso de arte online: Más allá del "Arte Pop"

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de manera accesible a la vez que rigurosa sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual. Contando con la participación de expertos en cada campo, los cursos toman como punto de partida la Colección del Museo y su dinámica y variada programación artística.

Curso de arte online: Más allá del &quot;Arte Pop&quot; | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso de arte online: Más allá del "Arte Pop" | Guggenheim Bilbao Museoa

Curso de arte online: El jardín en el arte contemporáneo

El Museo presenta este recorrido en torno al jardín en la creación actual, impartido a través de un programa de cuatro módulos.
Más que una visión completa del jardín en la historia del arte, este curso ofrece algunas claves y ejemplos de cómo ha servido y sirve como fuente de inspiración, espacio de intervención y acción para algunos artistas.
La relación entre el ser humano y el jardín puede remontarse hasta hace miles de años, al jardín del Edén y los jardines de Babilonia. Entre algunos de los aspectos más sugerentes que esta tipología ofrece se puede destacar la aparente libertad de los jardines ingleses, la importancia del factor contemplativo en los jardines zen japoneses, la deslumbrante belleza de los jardines versallescos o el encanto de los humildes huertos.
Tradicionalmente, un jardín se ha considerado un terreno donde se cultivan especies vegetales (flores, plantas, árboles, frutos, etc.), a las que se pueden añadir otros elementos decorativos, destinados al placer de los sentidos o dispuestos con una intención simbólica y utilitaria.
Los diseños y usos de los jardines han evolucionado a lo largo del tiempo, reflejando los diversos contextos políticos, filosóficos, sociales, económicos y técnicos de cada época. Como un lugar que “ordena” la naturaleza, algunos conceptos comúnmente vinculados al de jardín son el de la propia naturaleza, el del paisaje y la tierra.
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ul>
<li>La evolución de la relación del arte con el jardín desde, fundamentalmente, finales del siglo XIX hasta la actualidad.</li>
<li>Ejemplos concretos de artistas y obras clave.</li>
<li>Referencias al contexto artístico e interrelaciones. La importancia de la sostenibilidad medioambiental en el arte contemporáneo.</li>
<li>La obra de mujeres artistas en este contexto y el lugar que les corresponde en la historia del arte.</li>
</ul>
Este curso está impartido por Lola Durán Úcar, doctora en Historia del Arte y Cultura Visual por la Universidad Autónoma de Madrid, comisaria de exposiciones y crítica de arte.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo
Idioma: español
Acceso: a través de plataforma online
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales
Certificación: automática, tras finalizar el curso
PROGRAMA
Módulo I: Introducción y antecedentes 
En el arte antiguo, los jardines aparecen como meros decorados, escenarios sobre los que se plasmaban, por ejemplo, escenas de iconografía religiosa, especialmente en la Edad Media. El paisaje como género artístico y asimismo la representación del jardín surgen en el Renacimiento como trasfondo de escenas o retratos; la fidelidad no se consideraba entonces imperativa a la hora de plasmar la naturaleza, un ámbito en el que se revelaba la importancia de la vinculación de lo humano con lo divino.
Durante el Barroco las ciudades se incorporan en las obras (Villa Médici), con el Rococó la naturaleza se vuelve exuberante y el Romanticismo muestra una visión muy sensible de la naturaleza a través de la jardinería y el paisaje.
A finales del siglo XIX y principios del XX el jardín ocupa un papel central como fuente de inspiración y tema de representación. En la obra de los artistas impresionistas y posimpresionistas, el jardín refleja la unión entre naturaleza y subjetividad, la captación directa de la luz y el color, la vida cotidiana, la intimidad y la modernidad.
Vídeo 1. Del jardín del Edén al jardín de las Delicias. Imágenes del jardín en el mundo islámico y Asia oriental. 
Vídeo 2. Del artificio barroco al naturalismo romántico (Diego Velázquez, Jean-Honoré Fragonard, John Constable, Claude Lorrain). 
Vídeo 3. Rupturas y miradas modernas: el Impresionismo y el Posimpresionismo (Claude Monet, Camille Pissarro, Pierre – Auguste Renoir, Vincent Van Gogh). 
Ilustradoras que amplían la representación del jardín desde una mirada femenina (Maria Sibylla Merian, Marianne North). 
Vídeo 4. Jardines oníricos e imaginarios: de las Vanguardias al Surrealismo (Henri Matisse, Vasily Kandinsky, Salvador Dalí, René Magritte, Remedios Varo).
Módulo II: El jardín como símbolo de memoria, transformación, metáfora y creación
El jardín también se convierte en símbolo de memoria y transformación en el arte del siglo XX. Muchos autores lo utilizan para explorar cuestiones relacionadas con la identidad, la pérdida, la fragilidad de la existencia, la reconstrucción y la evolución; y otros, como metáfora de todo aquello que implica o que despierta en quienes lo contemplan. Asimismo, destacan algunos artistas que simultáneamente fueron jardineros y crearon sus propios jardines, hoy en día convertidos en museos o en parte integrante de estos.
Vídeo 1. Memoria (Louise Bourgeois, Paloma Navares, Miquel Navarro, Doris Salcedo, Kapwani Kiwanga). 
Vídeo 2. Transformación (Patrick Blanc, David Hockney, Jeff Koons, Yayoi Kusama). 
Vídeo 3. Metáfora (Cristina Almodóvar, Chus García Fraile, Françoise Vanneraud, Daniel Verbis). 
Vídeo 4. Artistas jardineros y jardines-museo (Vanessa Bell y el grupo Bloomsbury, Derek Jarman, Roberto Burle Marx, Claude Monet, Alejandra Riera, Daniel Spoerri).
Módulo III: El jardín como espacio de intervención y acción
En la década de 1960, surgen movimientos artísticos como el Land Art, que recurre a la naturaleza en cuanto que espacio material y creativo, generando experiencias inmersivas y reflexivas. Por su parte, el arte ecofeminista establece un vínculo entre el dominio sobre las mujeres y la dominación de la naturaleza. De manera progresiva, aparecen nuevas propuestas artísticas sensibles con el cambio climático y la escasez de recursos.
Vídeo 1. Land Art y Arte Conceptual (Agnes Denes, Hans Haacke, Robert Smithson). 
Vídeo 2. El jardín en el Ecofeminismo (Yto Barrada, Fina Miralles, Mierle Laderman Ukeles). 
Vídeo 3. Jardines y cambio climático (Daniel Steegmann Mangrané, Olafur Eliasson). 
Vídeo 4. Colectivos y proyectos colaborativos (Campo Adentro, Futurefarmers, Guerrilla Gardening, Gabriel Orozco).
Módulo IV: El jardín en el arte multimedia y digital 
El jardín en el arte multimedia y digital es un espacio de indagación, metáfora, diálogo y debate entre lo natural y lo tecnológico, donde la interacción entre ser humano y máquina redefine la relación entre naturaleza y cultura. La capacidad de idear y transformar jardines invita a repensar nuestra conexión con la naturaleza y a explorar nuevas formas de creatividad y experimentación en el arte del siglo XXI.
Vídeo 1. Posnaturaleza (Thomas Demand, Violet Forest, Allora &amp; Calzadilla). 
Vídeo 2. El jardín como espacio multimedia y virtual (Jennifer Steinkamp, Miguel Chevalier, teamLab). 
Vídeo 3. El jardín en el arte digital y la creatividad colectiva (Esther Rollinson). 
Vídeo 4. Arte Generativo (Andy Lomas).

El Museo presenta este recorrido en torno al jardín en la creación actual, impartido a través de un programa de cuatro módulos.

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Curso de arte online: Pintura abstracta desde la Segunda Guerra Mundial 

Conoce el alcance y la evolución de la pintura abstracta desde 1945 hasta la actualidad.
En 1945, como consecuencia del fracaso del idealismo del mundo moderno, los horrores de la guerra y la consiguiente deshumanización, una nueva generación de artistas se plantea cómo afrontar esta situación sin describirla, sin incluir referencias externas al propio medio artístico. En ese contexto surgieron el Expresionismo Abstracto norteamericano y el Informalismo europeo, como reacción ante la figuración imperante en el arte de ese momento, integrando formas y lenguajes formales muy diversos.
Este curso online busca ampliar otros ofrecidos por el Museo Guggenheim Bilbao que han incluido el tema de la pintura abstracta en alguno de sus módulos, y ofrecer una visión más amplia del alcance y de la evolución de este estilo, así como del trabajo de sus principales protagonistas, en EE. UU. y Europa Occidental desde la Segunda Guerra Mundial hasta la actualidad.
Impartido por Manuel Fontán del Junco, doctor en Filosofía y Director de Museos y Exposiciones de la Fundación Juan March. 
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo. 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo. 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
Certificación: automática, tras finalizar el curso. 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ol>
<li>El verdadero alcance y evolución de la pintura abstracta, tras analizar brevemente los antecedentes de finales del siglo XIX y las vanguardias históricas, desde la Segunda Guerra Mundial hasta la actualidad.</li>
<li>La obra de una selección de artistas relevantes, así como los motores sociales, políticos y culturales que favorecieron nuevos procesos y formas de creación y de representación.</li>
<li>Técnicas y materiales empleados al desarrollar algunos de los estilos y procesos pictóricos mostrados y que supusieron una nueva e innovadora forma de hacer arte.</li>
<li>La idea de la “convivencia” de estilos, abstracción y figuración, en el devenir de la historia del arte independientemente de las modas y tendencias.</li>
</ol>
PROGRAMA<a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2025/04/PROGRAMA-CURSO-LA-ABSTRACCIÓN-EN-LA-PINTURA.pdf"> [+info]</a>
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Helen Frankenthaler 
Réquiem (Requiem), 1992 
Acrílico sobre lienzo 
79,1 x 243,8 cm 
Guggenheim Bilbao Museoa 
© 2025 Helen Frankenthaler Foundation / VEGAP

Curso de arte online: La abstracción en la pintura desde la Segunda Guerra Mundial

Conoce el alcance y la evolución de la pintura abstracta desde 1945 hasta la actualidad.

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Curso de arte online. El cuerpo y la identidad en el arte contemporáneo

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen la oportunidad de formarse de forma accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.
Con la participación de expertos en cada campo, y tomando como punto de partida la Colección Propia y la dinámica y variada programación artística del Museo, estos cursos están diseñados para brindar una visión general, y despertar una mayor curiosidad y un mayor deseo de conocimiento y estudio.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo. 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS?   
Este curso online tiene, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ul>
<li>Explicar la importancia del cuerpo como motivo de representación, como instrumento de creación y como obra de arte en sí mismo en la creación plástica de los siglos XX y XXI.</li>
<li>Abordar nuevas manifestaciones creativas en las que la identidad, el género y la diversidad constituyen una búsqueda y declaración de intenciones artísticas que desafían los cánones establecidos.</li>
<li>Dar visibilidad a artistas pertenecientes a colectivos a menudo ignorados, como las mujeres, y sus aportaciones, situándolas en el lugar que les corresponde en la historia del arte de los siglos XX y XXI.</li>
<li>Mostrar nuevas formas de pensamiento y de construcción de la identidad en el actual contexto global.</li>
</ul>
Estructura, introducción y programa <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2023/03/PROGRAMA-curso-arte-online-Cuerpo-e-Identidad-23-03-15.pdf">[+ info]</a>
Imparte 
Aimar Arriola, comisario, editor e investigador de arte
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Elssie Ansareo. El baile de las flâneuses 2007. Guggenheim Bilbao Museoa

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen la oportunidad de formarse de forma accesible, a la vez que rigurosa, sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual.

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Curso de arte online: El dibujo en el arte contemporáneo

Los cursos de arte online del Museo Guggenheim Bilbao ofrecen una oportunidad única de formarse de manera accesible a la vez que rigurosa sobre temas y conceptos clave de la historia del arte moderno y contemporáneo desde una perspectiva actual. Contando con la participación de expertos en cada campo, los cursos toman como punto de partida la Colección del Museo y su dinámica y variada programación artística.
El dibujo es la primera forma de representación que el ser humano utilizó para comunicarse o transmitir una idea. Su evolución ha estado vinculada con el devenir de la historia y del arte a partir de su nacimiento como tal, en el siglo XVI.
Asimismo, el dibujo, bien sea mental o físico, se puede considerar la “matriz” del proceso creativo de muchos creadores, el “esqueleto” de sus obras e, incluso, hay dibujos que se consideran obras de arte en sí, dada su complejidad, su singularidad o la destreza con la que se han ejecutado. Numerosos artistas antiguos han destacado por su maestría en esta técnica que aún perdura y que resulta crucial en ciertas prácticas contemporáneas.
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto, interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso 
Duración: Tres meses desde la fecha de compra
¿QUÉ APRENDEREMOS? 
Este curso online tiene, entre otros, los siguientes objetivos de aprendizaje:
<ul>
<li>Ofrecer una visión general de la historia del dibujo, mostrando la obra de ciertos maestros antiguos y haciendo especial hincapié en los dibujos y trabajos de Francisco de Goya como preámbulo al dibujo contemporáneo.</li>
<li>Dar a conocer prácticas de dibujo no occidentales que han influido e influyen en el dibujo contemporáneo actual.</li>
<li>Evidenciar la importancia del dibujo como técnica y también como disciplina artística autónoma.</li>
<li>Mostrar ejemplos de una selección de procesos creativos y obras de artistas que pertenecen a la Colección del Museo donde el dibujo desempeña un papel esencial.</li>
</ul>
Imparte 
José Manuel Matilla, historiador del arte y jefe del Departamento de Estampas y Dibujos del Museo Nacional del Prado.
Estructura y programa <a href="http://cms.guggenheim-bilbao.eus/uploads/2024/04/Curso-dibujo-PROGRAMA-WEB-.pdf">[+info] </a>
 
Yoshitomo Nara 
Joey, 2008 
Lápiz sobre papel 
51,5 × 36,5 cm 
Colección del artista 
© Yoshitomo Nara 2008 
Cortesía Yoshitomo Nara Foundation

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Curso de arte online: El cine habitado por museos. Un recorrido por cuatro encuentros entre lenguaje audiovisual y los centros de arte

Este curso online explora la relación entre el cine y los museos de arte, analizando algunas de las manifestaciones más notables del diálogo entre ambos.
Imparte: Juan Zapater, gestor cultural y escritor de arte y cine
Dedicación: 6 horas, a tu ritmo 
Público: adulto 
Idioma: español 
Acceso: a través de plataforma online 
4 módulos, 16 videoclases y materiales adicionales 
Certificación: automática, tras finalizar el curso
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ul>
<li>Cómo el lenguaje audiovisual interactúa con los espacios museísticos, y la complejidad y riqueza de este diálogo.</li>
<li>Ejemplos concretos de cineastas y películas clave sobre el tema.</li>
<li>Herramientas para analizar una película de forma sencilla desde diferentes perspectivas y metodologías.</li>
<li>La obra de mujeres cineastas y el lugar que les corresponde en la historia del cine.</li>
</ul>
INTRODUCCIÓN
El cinematógrafo nació en 1895 en el contexto de las ferias populares, impulsado por inventores como los hermanos Lumière y George Méliès. Inicialmente relegado a la cultura popular, la vertiente artística de esta disciplina surgió poco después de la mano de autores como D. W. Griffith (uno de los pioneros del llamado “séptimo arte”), pero su presencia en los museos fue limitada hasta la llegada del soporte digital avanzado en el siglo XX. Las raíces humildes de sus inicios relegó al cine al otro lado de la frontera que dividía la creación artística en dos categorías: alta y baja cultura.
Pese a que las vanguardias históricas y los artistas surrealistas adoptaron las posibilidades expresivas del cine como vehículo de sus experiencias creativas, y a pesar a la existencia de un cine experimental, la hegemonía del modelo comercial e institucional impuesto por Hollywood alejó las experiencias fílmicas de los grandes espacios museísticos del arte moderno y contemporáneo durante décadas. Paradójicamente, cuando el celuloide dio su lugar al soporte digital, el cine empezó a adentrarse y exhibirse plenamente en los espacios museísticos.
PROGRAMA Y METODOLOGÍA
El curso se estructura en cuatro módulos y en torno a cuatro películas, una por módulo.
MÓDULO I. Une visite au Louvre. Danièle Huillet y Jean-Marie Straub, Francia, 2003
MÓDULO II. El arca rusa. Alexander Sokurov, Rusia, 2002
MÓDULO III. The Square. Ruben Östlund, Suecia, 2017
MÓDULO IV. De entre los muertos/Vértigo. Alfred Hitchcock, EE. UU., 1958
En los diferentes módulos se analizarán los respectivos autores y obras para contextualizar cada caso. Posteriormente, se abordará la vinculación de cada título con el espacio museístico que refleja en su interior.
Así mismo, a lo largo de las vídeo clases se hará referencia a otros muchos ejemplos de emparejamientos entre películas y espacios museísticos, ofreciendo una perspectiva más amplia sobre los cambios de narrativas, usos y creaciones de la historia del cine.
Cada módulo también presentarán diferentes metodologías y soportes, combinando fragmentos de películas, imágenes fijas y texto.
Animamos a las personas participantes a visualizar las películas por su cuenta, si no lo han hecho ya, antes del inicio del curso.

Este curso online explora la relación entre el cine y los museos de arte, analizando algunas de las manifestaciones más notables del diálogo entre ambos. 

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El arte como reflejo del mundo que nos rodea

Curso de iniciación al arte contemporáneo sobre conceptos básicos y de referencia con un enfoque divulgativo y accesible. La serie ofrece cursos estructurados en tres módulos, que también funcionan de forma independiente, y facilitan el disfrute del arte contemporáneo y las exposiciones y la Colección del Museo, a través de un aprendizaje sencillo.
Imparte: Iñigo Sarriugarte Gómez, Profesor Titular de Historia del Arte de la EHU/UPV 
Modalidad: presencial (posibilidad de asistencia online) 
Día y hora: martes, 18:00–19:30 h 
Dirigido a público adulto interesado en el arte contemporáneo 
Idioma: español
¿QUÉ APRENDEREMOS?
<ul>
<li>Conoceremos el trabajo de una selección de artistas fundamentales, sus aportaciones e influencias, así como una serie de obras concretas, su contexto histórico, sociopolítico y plástico.</li>
<li>Nos aproximaremos al arte moderno y contemporáneo, y adquiriremos algunos conceptos básicos para ganar confianza en este ámbito.</li>
<li>Indagaremos en la obra de mujeres artistas y el lugar que les corresponde en la historia del arte.</li>
<li>Abordaremos temas recurrentes en el arte contemporáneo, como la igualdad, la diversidad y la sostenibilidad, que en la actualidad han adquirido una gran importancia y notoriedad a nivel social.</li>
</ul>
PROGRAMA
Módulo I. UTOPÍAS Y SUEÑOS TRUNCADOS
21 de octubre: Transformaciones sociales, científicas y culturales 
Desde finales del siglo XIX hasta el estallido de la Segunda Guerra Mundial, el mundo atravesó profundas transformaciones políticas, sociales y tecnológicas. La Revolución Industrial tardía impulsó la urbanización, los avances tecnológicos y científicos, el surgimiento de nuevas clases y movimientos sociales. La Primera Guerra Mundial significó la ruptura violenta con el orden anterior, dejando tras de sí una Europa devastada y dando lugar a movimientos revolucionarios y autoritarios. Además, la profunda crisis económica de 1929 generó aún más inestabilidad, favoreciendo el auge de regímenes totalitarios en varios países.
Durante este periodo, la ciencia y la tecnología avanzaron rápidamente gracias a descubrimientos en la física, la química o la biología que transformaron la visión del mundo y sentaron las bases para la modernidad. Paralelamente surgieron nuevas corrientes de pensamiento, como el positivismo, el psicoanálisis y las vanguardias artísticas, que cuestionaron los valores tradicionales y exploraron nuevas formas de expresión y conocimiento.
4 de noviembre: El surgimiento de movimientos utópicos y otras miradas 
En las artes, movimientos de vanguardia como el Cubismo, el Futurismo, el Dadaísmo y el Surrealismo fueron reflejo de la incertidumbre y el deseo de renovación propios de su época. Nuevos lenguajes artísticos y formas de pensamiento cercanas a movimientos utópicos e idealistas aspiraban a construir un mundo mejor a través del arte, mientras se afianzaban los lenguajes abstractos ya iniciados a finales del siglo anterior y otras formas de expresión generaban miradas y formas de representación alejadas de la realidad.
Algunos artistas: Giacomo Balla, Marcel Duchamp, Vasily Kandinsky, Hilma af Klint, René Magritte, Kazimir Malevich, Maruja Mallo, Piet Mondrian, Kurt Schwitters.
18 de noviembre: Comunas y comunidades artísticas: Monte Veritá y Bauhaus 
En la primera mitad del siglo XX, las comunidades artísticas surgieron en Europa y América como espacios de experimentación, ruptura y búsqueda colectiva de nuevas formas de vida y creación. Inspiradas por ideales utópicos y el deseo de desafiar las convenciones sociales, estas comunidades reunían a artistas, intelectuales y personas interesadas en la transformación cultural.
En Europa, un caso emblemático fue Monte Veritá, ubicada en Suiza y considerada precursora de los movimientos alternativos. Allí, desde inicios del siglo XX, se congregaron artistas, escritores y pensadores en busca de libertad, vida natural y experimentación en las esferas del arte y las ideas. Monte Veritá se convirtió en un laboratorio de nuevas prácticas que combinaban arte, danza, espiritualidad, vegetarianismo y vida en comunidad, anticipando muchas de las búsquedas contraculturales de décadas posteriores.
Simultáneamente florecieron en Europa otras iniciativas, como la Bauhaus en Alemania, que funcionó como comunidad creativa interdisciplinaria donde el arte, la arquitectura y el diseño se integraban bajo una visión colectiva y transformadora.
Algunos artistas: Josef y Anni Albers, Marcel Breuer, Isadora Duncan, Walter Gropius, Alexej von Jawlensky, Paul Klee, Rudolf von Laban; László Moholy-Nagy, Oskar Schlemmer, Gunta Stölzl, Marianne von Werefkin, Mary Wigman.
2 de diciembre: Visita a la exposición Maria Helena Vieira da Silva. Anatomía del espacio
Módulo II. EN BUSCA DE NUEVAS LIBERTADES 

20 de enero: Transformaciones sociales, científicas y culturales 
El fin de la Segunda Guerra Mundial marcó el inicio de una nueva era de transformación y de redefinición global. Dio comienzo la Guerra Fría y la reconstrucción de Europa y de Japón, y trajo consigo un desarrollo económico sin precedentes en muchos países occidentales. Se produjeron importantes movimientos de descolonización en Asia y África, transformando el mapa político global.
En el ámbito científico se produjeron avances destacables, como la carrera espacial y la llegada del ser humano a la luna en 1969, los avances en la energía nuclear y en la medicina o el desarrollo de nuevas tecnologías que revolucionaron las comunicaciones y la vida cotidiana.
Corrientes filosóficas como el existencialismo, el estructuralismo, la hermenéutica, el posmodernismo y los movimientos de liberación dieron voz a las inquietudes de una humanidad enfrentada a la incertidumbre, la reconstrucción y la búsqueda de nuevas formas de libertad y sentido vital.
3 de febrero: Organicismo, Escuela de St. Ives, Informalismo, Escuela de Nueva York versus Arte Pop 
Tras la Segunda Guerra Mundial, las artes visuales experimentaron profundas transformaciones, reflejando las tensiones y aspiraciones de una sociedad necesitada de cambio. Surgieron movimientos que rompieron con las estéticas tradicionales, impulsando lenguajes artísticos fundamentalmente abstractos.
Durante la década de 1950, mientras Londres seguía tratando de recuperarse del conflicto bélico, la colonia artística de Cornualles, denominada Escuela St. Ives, y el organicismo escultórico lideraron el arte de vanguardia en Inglaterra. Estas corrientes exploran formas inspiradas en la naturaleza y en la integración armoniosa de la obra artística en su entorno. Asimismo, y paralelamente al Informalismo francés y español, se establecieron vínculos con el Expresionismo Abstracto norteamericano promoviendo la pintura abstracta a nivel internacional.
Por su parte, el Arte pop, adalid de la cultura popular y el estilo figurativo, irrumpe en escena.
Algunos artistas: Arman, Marisol Escobar, Richard Hamilton, Barbara Hepworth, Roy Lichtenstein, Henry Moore, Ben Nicholson, Andy Warhol.
17 de febrero: La desmaterialización del arte y la aparición de nuevos “espacios expositivos” 
En las décadas de 1960 y 1970, coincidiendo con los movimientos pacifistas y feministas, se produce un resurgimiento del interés por la tierra, el paisaje, la naturaleza, etc., aunque de manera muy distinta a su mera representación, como se venía haciendo desde hace siglos. En el arte florecen el Land Art, el Arte Povera o el arte atmosférico: nuevas formas de representación o intervenciones de la realidad, en las que la naturaleza se utiliza como material (tierra, madera, elementos, etc.) y/o como herramienta de creación en sí misma. Aparecen nuevos espacios para la creación y exhibición de estas nuevas prácticas, como los entornos naturales o abiertos, que traspasan las paredes de museos y galerías.
A través del arte de la performance y de ciertas reivindicaciones feministas y pacifistas, el cuerpo humano adquiere una visibilidad inusitada.
Algunos artistas: Giovanni Anselmo, Jannis Kounellis, Richard Long, Fujiko Nakaya, Robert Smithson, James Turrell, Yoko Ono
3 de marzo: Visita a la Colección Permanente y a la exposición Artes de la Tierra I
Módulo III. SIN FRONTERAS. LA MADRE TIERRA
17 de marzo: Transformaciones sociales, científicas y culturales 
La caída del muro de Berlín en 1989 supuso el fin de la Guerra Fría y marcó el inicio de una era de globalización acelerada y cambios políticos significativos. Socialmente, los movimientos por los derechos civiles, la igualdad de género y la diversidad ganaban visibilidad y fuerza en todo el planeta.
En el ámbito científico, la expansión de internet y las tecnologías digitales han revolucionado las comunicaciones, la educación y las relaciones sociales y laborales. Descubrimientos como la secuencia del genoma humano, el avance en energías renovables y la investigación espacial han ensanchado los horizontes del conocimiento.
Tras el posmodernismo, la filosofía se vuelve más plural y diversa, abordando temas como democracia, justicia global, ética tecnológica, conciencia ecológica, ecofeminismo y perspectivas decoloniales.
Surgen nuevas prácticas artísticas que buscan y presentan un espacio de reflexión sobre cuestiones sociales, ambientales y de identidad colectiva.
7 de abril: La irrupción de nuevas ideas y formas de creación más allá del arte moderno occidental 
La exposición Magiciens de la Terre, inaugurada en 1989 en París y comisariada por Jean-Hubert Martin, tuvo un impacto significativo en el mundo del arte al desafiar la visión eurocéntrica y colonialista de las exposiciones de arte contemporáneo. La muestra incluía obras de artistas de diferentes partes del mundo, rompiendo con la tradición de limitar las exposiciones a autores occidentales.
Más adelante, la toma de conciencia del verdadero lugar que ocupa cada artista abre un debate continuo y una reflexión en torno a la descolonización en el arte contemporáneo, cuestionando la historiografía “oficial”, casi siempre contada desde un solo punto de vista, y dando visibilidad a otras prácticas artísticas que antes no tenían voz.
Algunos artistas: Agnes Denes, Guillermo Gómez-Peña, Barbara Kruger, Cildo Meireles, Ana Mendieta, Huang Yong Ping, Susana Solano, Cecilia Vicuña
21 de abril: Visita a las exposiciones Ruth Asawa y Artes de la Tierra II
5 de mayo: Arte contemporáneo y sostenibilidad medioambiental. ¿El arte como agente de cambio? 
En las últimas décadas, una mayor concienciación del cambio climático y la responsabilidad del ser humano en este ha desembocado en una generación de artistas, cuyos procesos e intención creativa es sensibilizar respecto a esta amenaza a través del arte. Prácticas como la agricultura, la agronomía, la botánica, la geología, la química, la física o la biología se cruzan inevitablemente con las artísticas.
Esto evidencia, asimismo, la forma en la que nos hemos relacionado y nos relacionamos con el mundo natural y el entorno que nos rodea, cómo hemos pasado de “espectadores” a tener una mayor conciencia e implicación, lo cual se refleja en las prácticas artísticas contemporáneas.
Algunos artistas: El Anatsui, Olafur Eliasson, Fernando García-Dory, Julie Mehretu, Asunción Molinos Gordo.
 
Imagen: 
Maria Helena Vieira da Silva (1908–1992) 
Figura de ballet (Figure de ballet), 1948 
Óleo y grafito sobre lienzo, 27 × 46 cm 
Cortesía Galerie Jeanne Bucher Jaeger, París–Lisboa 
CR587

Curso de iniciación al arte contemporáneo, perteneciente a la serie “Aproximaciones al arte”, sobre conceptos básicos y de referencia con un enfoque divulgativo y accesible

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